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Heidi Horten Collection
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AUSSTELLUNG

Die Linie

 

Das Bild zeigt zwei Figuren, die ganz nah beieinander stehen. Sie sind aus hellen, ineinander verschlungenen Flächen aufgebaut. Die Formen sind in Beige mit ein wenig Braun, Rot und Grau. Die Gesichter sind nur angedeutet: Zwei schwarze Punkte pro Figur stellen die Augen dar. Beide Figuren haben dünne, gerade Beine – wie Striche. Besonders auffällig ist ein kleines rotes Herz in den Figuren. Es macht das Bild zärtlich und persönlich. Der Hintergrund ist in warmer, erdiger Farbe gehalten – ruhig und gleichmäßig. Der Titel „Geschwister“ passt gut: Die Figuren wirken verbunden, fast wie eine Einheit. Man spürt Nähe, Vertrauen und Zusammenhalt – ganz still und zart.
Auf dem Bild sieht man eine bunte Figur mit erhobenen Armen. Sie steht vor einem roten Hintergrund mit weißen Linien, die wie ein Gitter oder ein Notenblatt aussehen. Die Figur ist mit kräftigen Farben gemalt: der Kopf ist blau, das Shirt gestreift, die Hose blau. Das Gesicht wirkt stark, laut und lebendig, wie eine Maske oder ein Comic-Kopf. Oben im Bild steht in weißer Schrift: „Red Cross Beginning of Theme (Fig. 1.)“ – dazu sieht man Notenzeilen und viele Wörter. Links stehen Titel von Jazz-Stücken des Musikers Charlie Parker. Das Kunstwerk verbindet Musik, Straßenkunst und persönliche Gefühle. Basquiat hat hier seine Wurzeln, seine Vorbilder und seine Sicht auf die Welt dargestellt. Man erkennt Einflüsse von Pop Art, Graffiti, Neo-Expressionismus und Haitianischer Kultur. Es ist eine Hommage an das Leben in New York, laut, wild, kreativ.
Auf dem Bild sieht man eine weiße Leinwand. Sie ist nicht bemalt, sondern aufgeschlitzt. Fünf lange, feine Schnitte ziehen sich senkrecht durch die Fläche. Die Schnitte sind gerade und elegant, manche leicht gebogen. Das Werk stammt von Lucio Fontana, einem Künstler, der in den 1950er-Jahren mit der Serie „Concetto Spaziale“ (Raumkonzept) berühmt wurde. Statt mit Farbe zu malen, zerreißt oder durchstößt er die Leinwand. Er will zeigen, dass ein Bild nicht nur Oberfläche, sondern auch Raum und Tiefe ist.
Die Zeichnung zeigt einen männlichen Akt von hinten, sitzend dargestellt. Der Körper nimmt fast die gesamte Bildhöhe ein und ist auf einem beigefarbenen, leicht gealterten Papier ausgeführt. Der Mann ist unbekleidet und wird von der oberen Rückenpartie bis zu den Oberschenkeln gezeigt. Der Kopf ist nur teilweise sichtbar, nach vorne geneigt und aus dem Bildausschnitt hinausgehend. Die Darstellung ist stark stilisiert und expressiv. Die Schulterblätter, die Wirbelsäule und die Muskeln des Rückens sind betont und in kontrastreichen Linien und Farbfeldern hervorgehoben. Der Rücken ist in leuchtenden, teils fast aggressiven Farben koloriert – vor allem in Grün, Ocker, Rot und Braun. Die Farben wirken unnatürlich, aber spannungsvoll. Die Umrisslinien sind dunkel, kantig und mit markanten Brüchen versehen. Die Arme hängen locker herab, einer stützt sich leicht auf einer Fläche ab. Es gibt keinen angedeuteten Hintergrund – der Fokus liegt ausschließlich auf dem Körper.
The artwork consists of thin, black wire that hangs in a seemingly illegible, free-form line in the room. The wire is lowered from the ceiling on several thin threads and floats in front of a brightly lit wall. At first glance, the shape of the wire looks like an abstract drawing in the air. It is only through the shadows cast by the targeted lighting that a legible word becomes visible on the wall: “line”. The wires themselves appear to be chaotically shaped when viewed from above, but in the shadows they form a surprisingly precise and clear message.
Das Kunstwerk zeigt eine Gruppe aus leuchtenden, runden Lichtkörpern, die auf hohen, dünnen, schwarzen Kabelsträngen ruhen. Die Lichtkörper bestehen aus kreisförmig gebogenen Neonröhren oder LED-Lichtern, die in ihrer klaren Geometrie an leuchtende Ringe oder Schweberahmen erinnern. Die Kreise befinden sich in unterschiedlicher Höhe, etwa auf Augen- bis Brusthöhe, und stehen wie eine Gruppe von abstrahierten Figuren im Raum. Die langen Kabel, die sich aus den Kreisen nach unten ziehen, liegen lose und geschwungen auf dem Boden, als wären sie Wurzeln oder schwebende Linien. Im Hintergrund befindet sich eine große Glaswand in der sich die Lichtobjekte spiegeln. Diese Spiegelung verdoppelt die Installation optisch und verleiht ihr Tiefe, Komplexität und eine fast räumlich schwerelose Wirkung. Das gesamte Werk ist in einem hellen, minimalistischen Raum installiert und wirkt dabei offen, durchlässig und lichtbetont.
Das Bild zeigt eine gezeichneten Frau von der Nähe, die nachdenklich zur Seite blickt. Sie hat große Augen mit langen Wimpern, blonde Haare mit schwarzen Konturen und leicht geöffnete Lippen. In der rechten unteren Bildhälfte hält sie ein Mikrofon vor den Mund, was darauf hindeutet, dass sie gerade singt oder spricht. Über ihrem Kopf, im oberen Bilddrittel, ist in Großbuchstaben ein Text in einer Sprechblase zu lesen: „THE MEMORY HAUNTS MY REVERIE“ (deutsch: „Die Erinnerung verfolgt meine Träumerei“). Die Schrift ist von kleinen Notensymbolen eingerahmt, was den musikalischen Charakter der Szene unterstreicht. Rechts neben dem Gesicht steht handschriftlich: „To Ileana“. Darunter findet sich die Signatur von Roy Lichtenstein.

Paul Klee, Die Geschwister, 1930 © Heidi Horten Collection

 

Jean-Michel Basquiat, Red Savoy, 1983 © The Estate of Jean-Michel Basquiat

 

Lucio Fontana, Concetto Spaziale Attese, 1966 © Fondation Lucio Fontana, Milano, Bildrecht Wien

 

Egon Schiele, Sitzender männlicher Rückenakt, 1910 © Heidi Horten Collection, Foto: kunst-dokumentation.com / Manuel Carreon Lopez

 

Fred Eerdekens, Line, 2008 © Private Sammlung

 

Brigitte Kowanz, Relations, 2021© Estate Brigitte Kowanz / Bildrecht, Vienna 2025, Foto: Dirk Tacke

 

Roy Lichtenstein, The Memory Haunts my Reverie, ca. 1965 © Bildrecht, Vienna 2025, Foto: kunst-dokumentation.com / Manuel Carreon Lopez

 

„Die Linie erfährt viele Schicksale. Jedes davon erschafft eine bestimmte, spezifische Welt – von schematischer Begrenzung bis zu unbegrenzter Ausdruckskraft. Diese Welten befreien die Linie immer mehr vom Instrument und führen zur völligen Freiheit des Ausdrucks.“

Wassily Kandinsky, Über die Linie (1919)

Die Ausstellung Die Linie widmet sich der Linie als grundlegendem Element der bildenden Kunst. Zwischen subjektiver Geste und konstruktiver Präzision übernimmt sie vielfältige Aufgaben: Sie gliedert Fläche und definiert Form, bildet Kontur und Grenze, trennt und verbindet. Sie dokumentiert Zeit und Raum, beschreibt Realität, schafft Illusion und erfasst das Imaginäre. In der Fülle ihrer Konzepte, Funktionen und Materialitäten vermag die Linie vieles zu erzählen – über ihre Zeit, ihre Künstler:innen und deren Anliegen.

Ausgehend vom klassischen Medium der Zeichnung untersucht die Ausstellung exemplarisch das Potenzial der Linie, künstlerische Welten zu erschaffen und auf die Welt, in der wir leben, künstlerisch zu reagieren. Im Fokus stehen dabei zeitgenössische Positionen, die die Linie über tradierte Gattungsgrenzen hinweg in den Raum überführen und sie als Medium zur Reflexion gesellschaftlicher und politischer Wirklichkeiten zeigen.

 

19. September 2025 bis 8. März 2026

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Die Künstler:innen der Ausstellung sind:

Pierre Alechinsky, Karel Appel, Kader Attia, Jean-Michel Basquiat, Pierre Bismuth, Angela Bulloch, Rosemarie Castoro, Christo und Jeanne-Claude, Marie Cool Fabio Balducci, Carola Dertnig, Marcel Duchamp, Fred Eerdekens, Amy Feldman, Dan Flavin, Lucio Fontana, Günther Förg, Lucian Freud, Gego (Gertrud Goldschmidt), Antony Gormley, Keith Haring, Alexej Jawlensky, Donald Judd, Birgit Jürgenssen, Reena Saini Kallat, Wassily Kandinsky, Žilvinas Kempinas, Kiluanji Kia Henda, Paul Klee, Gustav Klimt, Edgar Knoop, Joseph Kosuth, Brigitte Kowanz, Edward Krasiński, Alfred Kubin, Roy Lichtenstein, Constantin Luser, Piero Manzoni, Agnes Martin, Henri Matisse, Vera Molnár, François Morellet, Nick Oberthaler, Helga Philipp, Pablo Picasso, Giulia Piscitelli, Sigmar Polke, Jackson Pollock, Dieter Roth, Fred Sandback, Sonia Sanoja, Egon Schiele, Chiharu Shiota, Cy Twombly, Franz West, Andy Warhol.

Ausstellungsansicht Die Linie, 2025, Foto: Simon Veres © Heidi Horten Collection

Die Installation füllt einen Ausstellungsraum mit einem dichten Geflecht aus leuchtend roten Fäden, die von der Decke bis zum Boden gespannt sind. Innerhalb dieses Netzes schweben hunderte weißer Papierbögen – sie wirken wie gefaltete Briefe, lose Blätter oder kleine Flügel. Die Briefe breiten sich wie in einer Luftbewegung spiralförmig nach oben oder außen auszubreiten. Die rote Farbe der Fäden dominiert den Raum. Die Fäden sind so zahlreich und dicht, dass sie aus der Ferne wie ein schimmernder Vorhang wirken, der die Grenzen des Raums verändert und ein begehbares, fast körperliches Erlebnis erzeugt.

Chiharu Shiota, Letters of Love, 2022 © Installationsansicht: MOCA Jacksonville, Florida, USA, Foto: Doug Eng Copyright 2025 und die Künstlerin

Mit einer raumgreifenden ortspezifischen Installation überführt Chiharu Shiota die Linie in eine dreidimensionale Form, die sich als dichtes Netz im Museumsbau präsentieren wird. Als Teil der Ausstellung „Die Linie“ setzt sich Shiotas „Raumzeichnung“ mit dem Ungreifbaren auseinander: 

Erinnerung und Trauer, aber auch mit der Verbindung zwischen den Menschen. Die Intervention wird ihren Ausgangspunkt in Form eines partizipativen Projekts mit den Besucher:innen des Museums finden.

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AUSSTELLUNG

Wien, Wien, nur du allein

Wigand – Alt – Oláh

 

Auf dem Foto sehen wir den Stephansdom in Wien. Das Bild wurde von einem Balkon aus gemacht. Der Stephansdom ist eine sehr alte Kirche. In der Mitte sieht man einen sehr hohen, spitzen Turm. Das Dach hat bunte Ziegel. Es sieht schön und besonders aus. Links ist die Kirche, rechts sind andere Häuser. Auf dem Platz davor sind viele Menschen. Der Himmel ist blau. Es gibt ein paar weiße Wolken. Das Foto wurde mit einer alten Kamera gemacht, die einen Film benutzt. Der Fotograf heißt Stefan Oláh. Die Farben im Bild sind warm und angenehm.
Auf dem Bild sehen wir den Stephansdom in Wien. Es ist kein Foto, sondern ein Gemälde mit Wasserfarben. Man nennt so ein Bild auch Aquarell. Der Künstler heißt Rudolf von Alt. In der Mitte sieht man den großen Turm vom Stephansdom. Er ist sehr hoch und spitz. Links ist die Kirche, rechts stehen Häuser Unten auf dem Platz sind viele Menschen. Es wird wahrscheinlich der Frohnleichnahmsumzug dargestellt. Der Himmel ist hell mit etwas Blau und Grau.
Diese Schatulle wurde um das Jahr 1825 gemacht. Die Aquarelle auf der Schatulle wurden von Balthasar Wigand gemalt. Die Schatulle ist aus Perlmutt und Silber. Sie sieht edel und kostbar aus. An den Seiten hat sie kleine Henkel, mit denen man sie tragen kann. Auf dem Deckel sieht man in der Mitte ein kleines Bild: Es zeigt die Spinnerin am Kreuz – ein bekannter Ort in Wien. Im Hintergrund sieht man die Stadt Wien und Menschen auf Pferden. Rund um das Bild ist ein feines Muster aus Metall, mit Blättern und Figuren. Auch an den Seiten der Schatulle sind gemalte Szenen von Wien zu sehen: nämlich das äußere Burgtor mit Heldenplatz.

Stefan Oláh

Rudolf von Alt

Balthasar Wigand

 

Die Ausstellung ist dem Werk von drei Künstlern – Balthasar Wigand, Rudolf von Alt und Stefan Oláh – gewidmet, genauer: deren Auseinandersetzung mit der Stadt Wien. Diese Auseinandersetzung umspannt zwei Jahrhunderte, von Wigand, dessen künstlerisch bedeutendsten Werke um 1820 entstehen, über Rudolf von Alt – „Stadtchronist“ des 19. Jahrhunderts par excellence – bis zu Stefan Oláh, der seit mehr als zwei Jahrzehnten immer wieder die Stadt aus unterschiedlichsten Blickwinkeln zu seinem Thema macht.

Für Wien, Wien, nur du allein nimmt Oláh den Blick seiner Vorgänger an, sucht deren Standorte auf und zeigt in seinen Fotografien die Stadt und deren Umgebung wie sie sich heute darbietet. Die Auswahl der Motive ist nicht beliebig. Bestimmt wurde sie von Wigands, in prachtvolle Kassetten eingearbeitete Wien-Miniaturen, sowie den fünf herausragenden Aquarellen Rudolf von Alts in der Heidi Horten Collection. 

 

30. April bis 15. Oktober 2025

 

So gibt die Ausstellung die einmalige Möglichkeit das „Damals“ mit dem „Heute“ zu vergleichen und zugleich das Werk der drei Künstler unter einem ganz spezifischen Gesichtspunkt kennenzulernen. Dabei führt diese Reise von der Spinnerin am Kreuz über das Zentrum von Wien mit dem Stephansdom und der Karlskirche bis Schloss Schönbrunn und abschließend in das Gasteiner Tal: Stefan Oláhs Blick entgeht nichts. Er ist ist nicht wertend, vielmehr analytisch. Oláh zeigt Orte, die über 200 Jahre kaum Veränderungen erfahren haben, andere hingegen, die heute buchstäblich „verbaut“ sind.

Das Foto zeigt einen Ausstellungsraum mit mehreren Bildern an den Wänden und zwei Vitrinen in der Mitte. Zu sehen ist ein Querschnitt aus historischen und zeitgenössischen Stadtansichten von Wien. An den Wänden hängen großformatige Fotografien von Stefan Oláh, die Wiener Plätze, Straßen und Gebäude in ruhiger, klarer Bildsprache zeigen. Dazwischen ist ein Aquarell von Rudolf von Alt. In den Vitrinen stehen Dosen mit Wienansichten von Balthasar Wigand. Jede Dose zeigt mehrere Ansichten – zum Beispiel den Stephansdom oder die Donau.
Das Foto zeigt einen hellen Ausstellungsraum mit vielen Bildern an den Wänden und zwei Vitrinen in der Mitte. Zu sehen ist ein Querschnitt aus historischen und zeitgenössischen Stadtansichten von Wien. An den Wänden hängen großformatige Fotografien von Stefan Olah, die Wiener Plätze, Straßen und Gebäude zeigen. Ganz rechts ist ein Aquarell von Rudolf von Alt. In den beiden Vitrinen stehen Dosen mit Bemalungen von Balthasar Wigand. Jede Bemalung zeigt eine andere Wienansicht – zum Beispiel den Stephansdom oder die Donau.
Auf dem Foto sieht man eine Ausstellungsansicht mit drei Kunstwerken, die sich mit der Stadt Wien beschäftigen. Links hängt eine große Fotografie von Stefan Olah. Sie zeigt den Stephansdom bei schönem Wetter – mit blauem Himmel und Blick auf den belebten Platz davor. Rechts daneben hängt ein kleineres Aquarell von Rudolf von Alt. Auch hier ist der Stephansdom zu sehen – fein gemalt, mit warmen Farben und vielen Details. In der Vitrine darunter steht eine Wigand-Dose. Sie zeigt verschiedene Ansichten von Wien, unter anderem vom Stephansdom.
Das Foto zeigt einen Ausstellungsraum mit vielen Bildern an den Wänden und drei Vitrinen in der Mitte. Zu sehen ist ein Querschnitt aus historischen und zeitgenössischen Stadtansichten von Wien. An den Wänden hängen großformatige Fotografien von Stefan Oláh, die Wiener Plätze, Straßen und Gebäude in ruhiger, klarer Bildsprache zeigen. Dazwischen sind Aquarelle von Rudolf von Alt. In den Vitrinen stehen Dosen mit Wienansichten von Balthasar Wigand. Jede Dose zeigt mehrere Ansichten – zum Beispiel den Stephansdom oder die Donau. Rechts an der Wand befindet sich ein Ausstellungstext.

INTERVENTION

CO₂ntext 

Ein künstlerisch-wissenschaftliches Klimaprojekt im Hanuschhof

Auf dem Foto sieht man den Hanuschhof in Wien von oben. Die Häuser im Hof sind hell und der Boden und Lift sind in starken Farben bemalt – man erkennt große Flächen in Blau, Gelb, Grün, Pink, Schwarz und Lila. In jeder Farbfläche sind viele kleine, bunte Punkte zu sehen. Diese Punkte zeigen, wie viel CO₂ in einem bestimmten Jahr ausgestoßen wurde – ein Punkt steht für eine Milliarde Tonnen. Die Farben sind kräftig und leuchten im Sonnenlicht. Die Bemalung macht den Hof freundlich, auffällig und lebendig – und sie hat einen Zweck: Die Spezialfarbe hilft dabei, die Hitze zu reduzieren, weil sie das Sonnenlicht besser zurückwirft als normaler Beton. Dieses Kunstwerk heißt „CO₂ntext“. Es verbindet Umweltthema, Kunst und Stadtraum – und lädt zum Nachdenken und Verweilen ein. Links oben sieht man einen Skulpturengarten von oben.
Bunte, geometrische Muster auf einem Platz, umgeben von Gebäuden und Grünflächen, mit Menschen und einer Skulptur.
Auf dem Foto sieht man Hanuschhof in Wien. Der Boden ist in starken Farben bemalt – man erkennt große Flächen in Blau, Gelb, Grün, Pink, Schwarz und Lila. In jeder Farbfläche sind viele kleine, bunte Punkte zu sehen. Diese Punkte zeigen, wie viel CO₂ in einem bestimmten Jahr ausgestoßen wurde – ein Punkt steht für eine Milliarde Tonnen. Vorne in der Mitte steht ein weißer Farbeimer mit einem langen Stiel, daneben liegt ein kleines Farbtablett – man sieht, dass gerade an dem Kunstwerk gearbeitet wird oder es vor Kurzem fertiggestellt wurde. Die Farben sind kräftig und leuchten im Sonnenlicht. Die Bemalung macht den Hof freundlich, auffällig und lebendig – und sie hat einen Zweck: Die Spezialfarbe hilft dabei, die Hitze zu reduzieren, weil sie das Sonnenlicht besser zurückwirft als normaler Beton. Dieses Kunstwerk heißt „CO₂ntext“. Es verbindet Umweltthema, Kunst und Stadtraum – und lädt zum Nachdenken und Verweilen ein.

Bodengestaltung: Holla Hoop

Die Heidi Horten Collection, gemeinsam mit der Bundestheater-Holding und ART for ART, setzt mit dem Projekt CO₂ntext ein Zeichen für nachhaltige Stadtgestaltung. Herzstück ist die farbenfrohe Bodenbemalung im Hanuschhof, gestaltet vom Grazer Künstlerkollektiv Holla Hoop. Die verwendete UV-reflektierende Spezialfarbe senkt die Umgebungstemperatur um mindestens 5 °C und verbessert so das Mikroklima – ein Gewinn für Museumsgäste, Mitarbeiter:innen und Anrainer:innen.

Die visuelle Gestaltung besteht aus 40 Farbflächen, die jeweils ein Jahr symbolisieren. Jeder Punkt steht für eine Milliarde Tonnen CO₂ – ein künstlerisch übersetztes Archiv globaler Emissionen.

seit 10. Juni 2025

 

Projektpartner Prof. DI Dr. Hans-Peter Hutter von der MedUni Wien begleitet CO₂ntext wissenschaftlich. Wesentlicher Fokus seiner Arbeit sind die gesundheitlichen Folgen des Klimawandels. Hutter lobt das Projekt als mutmachendes Positivbeispiel, das Kunst und Klimaschutz kreativ verbindet.

Technischer Hintergrund: Helle Flächen reflektieren Sonnenstrahlen besser als dunkler Asphalt, was der Bildung städtischer Hitzeinseln entgegenwirkt. CO₂ntext zeigt, wie kleine urbane Interventionen große Wirkung entfalten und bietet ein Modell für nachhaltige Stadtgestaltung mit internationaler Strahlkraft.

Experiment Expressionismus – Schiele trifft Nosferatu

Diese Ausstellung zeigt viele Werke aus dem Expressionismus.
Expressionismus ist eine Kunstrichtung. Die Künstler zeigen starke Gefühle in ihren Bildern.

Die Ausstellung wurde von Agnes Husslein-Arco, Rolf H. Johannsen und Roland Fischer-Briand geplant.

Die Ausstellung zeigt viele Gemälde (also Bilder), die aus der Heidi Horten Collection kommen.
Diese Bilder sind von bekannten Künstlern wie:

  • Erich Heckel
  • Ernst Ludwig Kirchner
  • Emil Nolde
  • Max Pechstein

Auch Werke von österreichischen Künstlern sind dabei, zum Beispiel von:

  • Herbert Boeckl
  • Helene Funke
  • Oskar Kokoschka
  • Max Oppenheimer
  • Egon Schiele
  • Helene von Taussig

Es gibt noch viele weitere Künstler zu entdecken.

 

Mehr als nur Bilder

Die Ausstellung zeigt nicht nur Bilder und Skulpturen.
Ein weiterer wichtiger Teil ist der Stummfilm.

Ein Stummfilm ist ein Film ohne gesprochenen Text.
Stummfilme waren früher sehr beliebt.
Sie sind ein wichtiger Teil der Kunst dieser Zeit.

In der Ausstellung sieht man zum Beispiel:
Plakate zu alten Filmen
Bilder aus Filmen (Filmstills)
Teile aus bekannten Filmen wie:

  • Das Cabinet des Dr. Caligari
  • Nosferatu
  • Genuine
  • Der müde Tod

 

Begleitprogramm

Es gibt auch ein Beiprogramm.
Dabei werden ganze Stummfilme gezeigt.
Manche Filme haben Musikbegleitung.
Das bedeutet: Jemand spielt Musik live zum Film.

 

Wien, Wien, nur du allein

Die Ausstellung zeigt Werke von drei Künstlern:

  • Balthasar Wigand
  • Rudolf von Alt
  • Stefan Oláh

Alle drei Künstler haben sich mit der Stadt Wien beschäftigt.
Sie haben die Stadt auf ganz eigene Weise gezeigt.
Ihre Werke sind aus verschiedenen Zeiten – über 200 Jahre hinweg.

Balthasar Wigand lebte um das Jahr 1820.
Rudolf von Alt malte im 19. Jahrhundert viele Bilder von Wien.
Stefan Oláh ist ein Fotograf von heute. Seit über 20 Jahren fotografiert er Wien.

 

Ein besonderer Blick auf Wien

In der Ausstellung zeigt Stefan Oláh Fotos von Wien.
Er sucht die Orte auf, die Wigand und von Alt früher gemalt haben.
Dann fotografiert er diese Orte so, wie sie heute aussehen.

Seine Bilder zeigen:
Was hat sich verändert?
Was ist gleich geblieben?

Er hat sich dabei an den Bildern von Wigand und von Alt orientiert.
Besonders wichtig waren:
Kleine, sehr schöne Wien-Bilder von Balthasar Wigand
Fünf besondere Aquarelle von Rudolf von Alt, die zur Heidi Horten Collection gehören

 

Damals und Heute

Die Ausstellung ist eine Zeitreise.
Sie zeigt, wie Wien früher war – und heute ist.
Man sieht die Stadt durch die Augen der drei Künstler.

Die Reise führt zum Beispiel:

  • Zur Spinnerin am Kreuz
  • Zum Stephansdom
  • Zur Karlskirche
  • Zum Schloss Schönbrunn
  • Und sogar ins Gasteiner Tal

Stefan Oláh bewertet die Orte nicht.
Er zeigt sie ganz genau, wie sie sind.
Manche Orte sehen fast noch aus wie früher.
Andere haben sich stark verändert.

 

CO₂ntext

Die Heidi Horten Collection, gemeinsam mit der Bundestheater-Holding und ART for ART, hat ein besonderes Kunstprojekt gestartet. Es heißt CO₂ntext.

Das Ziel: Unsere Stadt soll schöner, kühler und gesünder werden.

Was sieht man?

Im Hanuschhof, gleich beim Museum, gibt es jetzt eine bunte Malerei auf dem Boden. Sie wurde vom Künstlerteam Holla Hoop aus Graz gemacht. Die Farbe ist besonders: Sie reflektiert Sonnenlicht und macht den Boden um mindestens 5 Grad Celsius kühler. Das hilft dem Klima in der Stadt. So fühlen sich Besucher:innen, Mitarbeiter:innen und Nachbar:innen wohler.

Was bedeutet das Bild?

Die bunten Flächen erzählen eine Geschichte:
Es sind 40 Farbfelder. Jedes steht für ein Jahr.
Ein Punkt zeigt eine Milliarde Tonnen CO₂ – so viel stößt die Welt pro Jahr aus.
Das Bild ist also ein Kunstwerk über den Klimawandel.

Seit wann?

Seit dem 10. Juni 2025 ist das Kunstwerk im Hanuschhof zu sehen.

Wer hilft mit?

Professor Hans-Peter Hutter von der Medizinischen Universität Wien beobachtet das Projekt. Er forscht zu den Auswirkungen des Klimawandels auf unsere Gesundheit.
Er sagt: Das Projekt zeigt, wie Kunst und Klimaschutz gut zusammenpassen.

Warum ist das wichtig?

Helle Farben auf dem Boden reflektieren die Sonne besser als schwarzer Asphalt.
So entsteht weniger Hitze in der Stadt.
CO₂ntext zeigt: Auch kleine Projekte können viel bewirken – und sogar ein Vorbild für andere Städte sein.